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Academia Concha (1890 – 1918)
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2005) Pachas Maceda, Sofía Karina; Leonardini Herane, Nanda
Establece las características de la Academia Concha como centro educativo de enseñanza artística pionero en el Perú republicano. Dando a conocer sus orígenes, los reglamentos que la rigieron, su administración, los métodos de enseñanza, los profesores y los estudiantes que pasaron por sus aulas. Realiza un análisis de fuentes (crítica de arte, artículos periodísticos dedicados al arte, correspondencia de los pintores) además de utilizarse un método histórico que permite conocer la vida institucional de la Academia Concha a lo largo de 23 años.
Análisis de los procesos de recreación y construcción audiovisual de la película La muralla verde de Armando Robles Godoy
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2023) Ochoa Morán, Gustavo Enrique; Honores Vásquez, Elton Alfredo
Explica el proceso el proceso de recreación de la novela La muralla verde, escrita entre 1955 y 1956 por Armando Robles Godoy, en la película homónima que dirigió él mismo en 1969. Para tal fin, se plantea comprender el concepto de “recreación” aplicado por el autor en dicho procedimiento e identificar las características de cada uno de los textos para poder, finalmente, reconocer y explicar las analogías y las divergencias existentes entre ambos. Se explica el proceso de construcción audiovisual de la película La muralla verde y para ello propone reconocer las influencias cinematográficas para realizar el film así como identificar los recursos expresivos aplicados en su construcción audiovisual.
Arte rupestre en el departamento de San Martín
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2006) Rodríguez Cerrón, Marítza
La presente investigación pretende realizar un estudio de tipo histórico – interpretativo sobre las manifestaciones artísticas del arte rupestre en el departamento de San Martín las pictografías de Aucapata (Moyobamba), los petroglifos de Inkaiko, Sinami (El Dorado), Bello Horizonte (San Martín) y Cunchihuillo (Mariscal Cáceres). Sitios seleccionados tras un viaje de reconocimiento basado en datos alcanzados por guías de la región. De estas dos modalidades de arte rupestre se han seleccionado y clasificado los motivos representados para su posterior interpretación simbólica y formal; enmarcados en el espacio socio-cultural de los grupos prehistóricos. Por medio de la base teórica de co-tradición de los estudios de Wendell C. Bennet se plantea aquellos puntos faltantes en el contexto sociocultural del área estudiada. Puesto que este concepto define una unidad tratada como un todo que se refiere a la unión e interrelaciones de las tradiciones culturales en un tiempo y espacio, en la cual se van adoptando características comunes en la subsistencia, alimentos, vestimenta, artes, etc; a partir de las cuales es posible plantear los cambios que sufren las diversas tradiciones, aunque existen ligeras variaciones ocasionadas por el medio ambiente y en el espacio geográfico.
César Calvo de Araújo, el pintor de la selva
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2006) Solórzano Gonzales, Mónica
César Calvo de Araújo es conocido en la ciudad de Iquitos debido a que una de las vías principales lleva su nombre, sin embargo, tanto en esa ciudad como en otros medios dedicados a la historia de la pintura, muy poco se sabe de su trayectoria como pintor. Cuando descubrí algunos datos sobre él, mientras frecuentaba las aulas universitarias, despertó la inquietud por indagar en su vida y producción pictórica. Encontrar el álbum de fotos y recortes periodísticos elaborado por el propio artista significó una meta en esa búsqueda. Hoy me complace presentar este trabajo que pretende ser un aporte para la historia de la plástica en la región Loreto. En el acápite inicial del trabajo, organizado en tres capítulos, se plantea el tema, los lineamientos básicos de la investigación y la metodología empleada en su ejecución. El segundo capítulo comprende un panorama histórico de los principales acontecimientos transcurridos en la Amazonía peruana, sucesos que han contribuido en la formación del carácter del poblador local. También se ha incluido acápite sobre las expresiones culturales en la ciudad más importante de la Amazonía durante la primera mitad del siglo XX, localidad donde habitó el pintor objeto de estudio. La sección dedicada a la exposición amazónica, realizada en Lima en el año 1943, proporciona alcances sobre la visión que se tenía en esta ciudad de aquella alejada región. Finaliza el capítulo una visión panorámica del tema de selva tratado por pintores anteriores y contemporáneos de Calvo de Araújo. La biografía es la primera sección del tercer capítulo, presenta un ordenamiento cronológico de los principales acontecimientos en su vida y resaltan aspectos como el entorno social, viajes y exhibiciones. En la sección dedicada a la producción artística se incluyen referencias sobre la pintura mural, la obra narrativa y un detallado análisis de la pintura de caballete objeto principal del estudio. Se plantean tres etapas evolutivas con aproximaciones en cuanto a sus características y extensos desarrollos sobre los principales géneros que ejecutó, el paisaje y el retrato.
Costumbrismo gráfico en la Lima republicana. El caso de las litografías con tipos populares de A. A. Bonnaffé
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2017) Chávarry Aramburú, Rosalyn Medalith; Leonardini Herane, Nanda
La presente investigación en torno al costumbrismo gráfico en la Lima republicana, tomando como caso específico las litografías con tipos populares de A. A. Bonnaffé, pretende ampliar los parciales y repetitivos conocimientos sobre el artista y de esta manera servir como punto de partida para futuras investigaciones. Para ello plantea analizar, desde la perspectiva del arte, el primer y segundo álbum litográfico del artista y hacer un seguimiento de las estampas, reutilizadas tanto en libros como periódicos en la época en la que fueron creadas. Por tal razón, el método tiene presente, además del examen artístico de las litografías y la lectura iconográfica de los tipos representados, el discurso como producto comercial dentro del marco del costumbrismo peruano.
Diseño museográfico y su aplicación por estudiantes en la escuela de folklore “José María Arguedas” de Lima
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2014) Contreras Melgar, Pio Juan; Ramírez León, Luis César
Expone los criterios de un diseño museográfico y aplicarlo en una exposición museográfica en la ENSFJMA con sus propios estudiantes. Se aplicó la metodología a una población de 20 estudiantes, tomando en consideración el proceso de aprendizaje de los criterios usados en los diseños museográficos y su aplicabilidad tomando el protagonismo y adaptabilidad en los dos montajes artísticos ejecutados en los espacios otorgados. Se aplicó el diseño museográfico en dos exposiciones artísticas y el tema elegido es sobre los danzantes de tijeras en Lima, con títulos como “Los danzaq o layqas en Lima”, “Los Danzantes de tijeras en Lima” y “Los Tusuj en Lima”. Se trató de mostrar en la exposición el cambió en la música, el vestuario y la expresión corporal, que esta danza con el devenir del tiempo sufrió. Buscó dar nuevas respuestas al acervo cultural y a las exposiciones artísticas, con la intervención de los estudiantes de nivel superior en las exposiciones para profundizar sus respectivas especialidades, de esa manera los estudiantes contaron con una propuesta motivadora para su trabajo en el futuro.
El canon de la figura humana mochica en pintura de línea fina en cerámica botella gollete asa estribo fase IV, en la colección del Museo Arqueológico Rafael Larco Herrera
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2016) Cáceres De la Cruz, Marcel Hector; Acevedo Basurto, Sara
Determina las características plásticas de la figura humana mochica para proponer la existencia de un canon en la pintura de línea fina representada en botella gollete asa estribo estilo mochica fase IV con piezas del Museo Arqueológico Rafael Larco Herrera. Esclarece el contexto histórico artístico en el que se desarrolla la pintura de línea fina sobre cerámica botella gollete asa estribo en el que se representa la figura humana. Establece tipologías para clasificar la figura humana representada en la pintura de línea fina de la cerámica mochica fase IV. Establece un canon a partir de la medición de las figuras humanas representadas en la pintura de línea fina de la cerámica mochica fase IV, en piezas de la colección estudiada.
El Cine de animación en el Perú: bases para una historia (1952-2009)
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2010) Rivera Escobar, Raúl
La tesis que hoy presentamos se desarrolla en dos capítulos. El primero aborda aspectos referidos al marco teórico de la materia que nos ocupa, tocando temas como los antecedentes existentes en investigaciones sobre historia de la animación, una reseña histórica del cine animado mundial, principios y modalidades creativas del cine animado, así como el proceso de producción de películas animadas tradicionales. El segundo capítulo abarca ya el tema de la historia de la animación nacional en sí, empezando con los antecedentes e inicios del cine animado a comienzos de los años cincuenta del siglo anterior, pasando por el primer auge de la animación televisiva en los años sesenta, la producción animada en los setenta, la época de los grandes estudios en los años 80, los comienzos y el desarrollo de la animación digital en los noventa y la producción animada del siglo XXI con los primeros largometrajes animados (sin olvidar, aquí, aspectos como el fenómeno anime, el stop motion, la relación entre arte académico y animación, así como la enseñanza y los festivales nacionales vinculados al género). A todo ello se agregan, como adecuado complemento, 272 ilustraciones y la totalidad de fichas técnicas referidas a los cortometrajes animados producidos durante la ley de cine 19327 y a los largometrajes animados realizados, desde 2004, en el país. El presente esfuerzo viene a ser tan sólo un primer paso en el cometido de descubrir la naturaleza y la influencia en nuestra sociedad, a través de los años, de aquella particular y cautivante forma expresiva, mezcla de arte y espectáculo, que hoy no se limita más a su primigenia función de entretener, abarcando ya múltiples campos de la actividad humana. De cualquier forma, el corto trecho transitado en el curso de nuestra investigación ha bastado para rescatar, en medio de un universo en que los adelantos tecnológicos dominan la posibilidad de cualquier esfuerzo de producción, el modelo de iniciativa, tesón y creatividad cultivado en su momento por muchos de los animadores locales de antaño, una potencial fuente de inspiración a ser considerada por los realizadores que recién se inician y que ven con nuevos bríos el largo camino aún por recorrer de nuestra prometedora animación actual.
El coleccionismo del arte popular en Lima: el caso de Alicia y Celia Bustamante Vernal y Elvira Luza Argaluza
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2020) Chivilches Ampuero, Natividad; Pachas Maceda, Sofía Karina
Presenta un breve panorama del coleccionismo de arte en Lima, cuya dinámica paralela a la actividad creadora del arte popular, dio pie a la adquisición de objetos tradicionales por parte de los coleccionistas e intelectuales quienes convergieron en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Entre ellos destacan las hermanas Alicia y Celia Bustamante Vernal y Elvira Luza Argaluza, pioneras en valorar y legitimar este arte a inicios del siglo XX. Este proceso social del coleccionismo permite explicar aspectos particulares como las modalidades, formas de adquirir e institucionalización de dichos acervos.
El cóndor en la obra de Julia Codesido
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2015) Verde Márquez, Georgina Antonieta
Realiza un estudio sobre la obra de Julia Codesido, para reconocer su aporte al arte peruano del siglo XX, referido específicamente, al tema del cóndor, lo que conlleva a analizar de manera minuciosa, las seis obras que la artista plasmó sobre la majestuosa ave, indispensable para mantener el equilibrio biológico del ecosistema. El interés para investigar sobre el cóndor en la obra de Julia Codesido, fue conocer con detalle, un aspecto del trabajo artístico de la pintora, así como precisar y descubrir la relevancia de esta ave, ligada desde épocas pretéritas a la cultura peruana.
El Discurso sobre arte de Sebastián Salazar Bondy. El tacto imperceptible
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2005) Rodríguez Olaya, Celia Herminia
El presente estudio es resultado, a través de la revisión continua, de la revelación y el descubrimiento de los finos límites que definen las nociones básicas en el discurso sobre arte de Sebastián Salazar Bondy (Lima, 1924 1965). Límites conceptuales que se entrecruzan, se difuminan, se tornan complejos, volviendo a su vez compleja la comprensión total del sentido del discurso en su integridad. En este trabajo nos proponemos esclarecer aquellos límites para su comprensión más cabal. Nuestro objetivo final es demarcar los lineamientos conceptuales del discurso, exponiéndolos de modo coherente, dentro de las 5 posibilidades interpretativas que ofrece el autor. Nótese que nuestras fuentes primarias son los escritos del autor que, publicados en diversos libros, periódicos y revistas, no pertenecen a un texto orgánico.
El Dragón: influencia China en los trajes de danzas puneñas actuales
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2010) Ordoñez Avalos, Marlene Mirtha; Pino Jordán, María Adela
La figura del dragón aparece desde los más remotos tiempos y es una imagen universal de mayor representación en la cultura China, en su arte, filosofía y es tomada como emblema, que se explica en el primer capítulo, esta figura es adorada desde tiempos antiguos con un significado benéfico y se va difundiendo al Occidente a través del comercio entre los pueblos que ayudó al conocimiento y popularización de esta figura, siendo incorporada en otros lugares, tomando características de cada zona. En la Europa medieval es representado con un significado negativo y dibujado con formas más rígidas y severas, al contrario del dragón chino, cuya imagen tiene más movimiento y vida. Este último motivo es el que vemos en las decoraciones de los trajes de danzas puneños. La inserción de esta imagen en nuestro país se da a través de la presencia directa e indirecta de la cultura China, como se explica en el segundo capítulo donde anotamos el conocimiento del Oriente desde tempranas épocas a través de los datos traídos del viejo continente, en forma oral, escrita y a través de figuras, por aventureros, viajeros, religiosos; que llegaron al Virreinato. Posteriormente, el ingreso de chinos al territorio a consecuencia de la actividad comercial iniciada con el Oriente, llena el mercado del Virreinato del Perú con productos chinescos que son adquiridos por todos los estratos sociales por ser estos productos baratos, como la seda, mantones, cerámicas, etc., decorados con figuras como el dragón; el cual es también utilizado por los evangelizadores en sus fiestas, teatros, fuegos artificiales y otras actividades que sirven para evangelizar a los indios. En la República, la escasez de mano de obra origina la inmigración de asiáticos al territorio peruano para trabajar en la agricultura, guano, posteriormente en vías ferroviarias, ello trae la reaparición de esta figura en las diversas mercaderías e informes llegados desde el oriente en libros y revista donde aparece casi siempre el emblema característico de China, volviendo al dragón una figura popular.
El estilo del retablo en Huancavelica a finales del siglo XVI. Análisis del diseño del retablo del maestro de arquitectura Alonso Ximenez de Espinosa
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2020) Rivera Huamán, Marlyn Edith; Estabridis Cárdenas, Jorge Ricardo
Busca promover la investigación de fuentes primarias para la construcción de la historia del arte de la región, para ello, incluimos conciertos notariales del primer tercio siglo XVII, que evidencian la continuidad del trabajo del retablo en la región, así como otras manifestaciones artísticas. Además, pretendemos brindar mayor información sobre la biografía de Alonso Ximenez de Espinosa, maestro de arquitectura, encargado del diseño y construcción del retablo para el altar mayor de la iglesia del convento de Santo Domingo. En Retablos limeños del siglo XVI (1959) Emilio Harth-terré y Alberto Márquez Abanto, presentan un trabajo recopilatorio y analítico de varios retablos registrados en conciertos notariales de Lima del siglo XVI, donde exponen las características arquitectónicas, ornamentales, imaginería, además de datos sobre los maestros encargados de la ejecución de los retablos. La conclusión a la que llegan los autores, sobre la viabilidad de identificar un estilo o influencia en los retablos de este periodo, será lo que moldee las conclusiones de la presente investigación.
El Instituto de Arte Contemporáneo. La promoción artística del arte contemporáneo y su impacto en el medio cultural limeño 1955-1972
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2022) Tavera Tavera, Anita Cecilia; Villegas Torres, Luis Fernando
Analiza el papel del Instituto de Arte Contemporáneo en la promoción artística del arte contemporáneo y su impacto en el medio cultural limeño entre los años de 1955 y 1972. La actividad diversa y sostenida del IAC repercutió positivamente en la escena cultural limeña durante el contexto de estudio al formar un público, motivar la reflexión crítica y propiciar el coleccionismo de tendencias internacionales y, por último, pero no menos importante, aproximar al artista local al trabajo de reconocidos creadores de la historia del arte contemporáneo del siglo XX.
El manto blanco de Paracas: Un registro de la cosmovisión del Hombre de Paracas
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2015) Sotelo Sarmiento, Carina
El universo textil del Perú antiguo es muy amplio y en él destacan, además de los tejidos Paracas, los Nascas herederos de los Paracas, los Wari con el empleo de hilos muy finos y decoración polícroma geométrica, así como los Incas con los tocapus, que para algunos estudiosos, como Victoria de la Jara, Kauffman Doig y William Burns, podrían representar diez consonantes; Dentro de este universo, imposible de abarcar por su magnitud, se ha escogido el Manto Blanco de Paracas, textil no estudiado bajo la lupa de la historia del arte, cuyas características iconográficas lo hacen único en su género. (...) Esta investigación tiene por objeto llenar un vacío desde la perspectiva de la historia del arte y demostrar que el Manto Blanco de Paracas, además de ser un objeto ritual o ceremonial, es una obra de arte. Este formó parte del ajuar funerario de un importante personaje de esa época, más destacado que otros. Asimismo, demostrar que el Manto Blanco posee una carga mítico-religiosa dada por los íconos representados. El presente trabajo está estructurado en tres capítulos. El primero aborda un panorama general sobre la cultura Paracas. El segundo está dedicado al Manto Blanco desde un análisis técnico, formal, estilístico y su organización iconográfica. El tercer capítulo es el estudio iconográfico de los diez seres bordados en el Manto Blanco. Deseamos expresar nuestra más profunda gratitud a distintas personas que han contribuido en la ejecución de este trabajo. En primer lugar agradecer especialmente a la doctora Nanda Leonardini por su asesoramiento, apoyo con material bibliográfico, acertadas sugerencias y recomendaciones. Al Museo de Arqueología y Antropología del CCSM, que me permitió consultar el Archivo Tello y facilitarme el material fotográfico. Al Archivo Domingo Angulo de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, donde obtuve documentos relacionados a la adquisición del Manto Blanco por la universidad. Al arqueólogo Mario Polia, a la arqueobotánica Gabriela Bertoné, al malacólogo Manuel Gorriti Manchego, al arqueólogo Fernando Fujita Alarcón por animarme a continuar adelante, a la arqueóloga Delia Aponte, a la doctora Mary Frame, al profesor de teatro Arturo Villacorta por sus orientaciones. A Morroponcho que siempre me acompaña.
El paisaje cultural andino en la iconografía textil del distrito de Pitumarca, Cusco
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2020) Castañeda Toledo, Gizeh Arnaud; Victorio Cánovas de Zevallos, Emma Patricia
Presenta la catalogación y registro de los motivos iconográficos del distrito de Pitumarca, que permanece ausente en las investigaciones realizadas hasta el momento. También se refiere al estudio iconográfico basado en la clasificación y jerarquización de los motivos tejidos y determina sus relaciones con el paisaje cultural del distrito. Y finalmente, demuestra las relaciones que el textil y su iconografía tienen para los habitantes andinos en sus relaciones sociales, culturales y medio ambientales. La hipótesis que se propone demostrar en esta investigación, es que los elementos naturales y culturales, así como la combinación de ambos en lo que se llama medio ambiente, conforman el paisaje cultural del distrito de Pitumarca y están presentes en la iconografía de los objetos textiles de las comunidades de Pitumarca Pueblo, Uchullucyo, Chilca y Phinaya. En el desarrollo de la tesis se han empleado cuatro ejes metodológicos. El primero, por motivos laborales, ha sido el trabajo de campo basado en la recolección de entrevistas a las tejedoras y el archivo fotográfico de los elementos que conforman el paisaje, realizado durante los recorridos por las comunidades. El segundo, el análisis de las técnicas textiles por el tipo de motivo iconográfico o pallay, que usan. Como tercer eje se ha aplicado el análisis del objeto textil definiendo los insumos o materia prima, el tipo de prenda y el género del usuario; las partes que lo conforman, las técnicas que se han usado para la elaboración de los motivos iconográficos. También se realizó el análisis de los procesos y las herramientas que forman parte de la elaboración textil. Además, la descripción plástica, el análisis iconográfico, la categorización del motivo y el significado dado por las tejedoras. Finalmente, como cuarto eje, el método histórico crítico que ha consistido en la revisión bibliográfica referente a los estudios sobre el tema.
El Vestido Femenino Limeño de Élite Durante la Era del Guano (1845-1878)
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2004) Brañez Medina, Angélica Isabel
Este trabajo pretende demostrar la importancia del vestido como objeto de arte, la influencia de la moda francesa en el vestido femenino limeño de la elite, además de llenar en el Perú un vacío historiográfico referido al traje, todo ello dentro del período denominado, por el historiador Jorge Basadre, la Era del Guano (1845-1878).
Escultura civil público estatal en Lima de 1852 a 1860
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2014) Vifian Lopez, Daniel
Entre 1852 y 1860, se importaron a Lima un grupo de veinte esculturas bajo financiamiento del estado peruano, pasando por dos presidencias: se idearon con la de Rufino Echenique (1851-55) y se ejecutaron con la de Ramón Castilla (1855-62). Dieciocho de ellas fueron dispuestas en la Alameda de los Descalzos, una en la Plaza de la Constitución, y otra en la Alameda Nueva (o de Acho). Respectivamente, y en orden de arribo, corresponden dichos emplazamientos a la Serie de los doce meses o Serie del zodíaco (1858-59) más una Serie de seis dioses griegos (1857) en la portada de ingreso; a la Estatua ecuestre de Simón Bolívar (1859); y a la Estatua conmemorativa de Cristóbal Colón (1860). A excepción del Bolívar que fue hecho en bronce, todas eran esculturas de mármol; y su repentina aparición en suelo limeño, supuso un novedoso quiebre con la tradición de innumerables imágenes de madera policromada de las iglesias coloniales. Acostumbrada la población a un arte cuyo acceso dependía en su mayoría de la liturgia, el concepto de lo público cambió de inmediato al invadir, las esculturas, las plazas y paseos de la ciudad. Ya no eran imágenes de devoción, sino de exaltación republicana, y en ellas se debía sintetizar la cotidianidad de la ciudadanía. Es difícil imaginar el grado del impacto generado, pero algo del mismo nos ha llegado hasta estos días, aún a través del desconcierto de personajes perdidos en la historia, aún entre la desconsiderada población de obras mediocres que inundan nuestro imaginario, y aún a pesar de la iconoclastia grafitera. Las esculturas traídas a Lima en la década de 1850 se pierden en el desorden del tiempo, y por sobre ello, siguen guardando celosamente sus espacios privilegiados. Ningún otro lugar de Lima ostenta tantas esculturas juntas como la Alameda de los Descalzos, y su bandalización sólo puede conmover con ese encanto de ruina al que tan cerca se encuentran. Y hasta hace poco, el Colón ostentaba una pinta de tono libertario contra su papel histórico, revelando de ese modo, al ser víctima del desprecio, que se la sigue considerando, todavía hoy, como un símbolo vivo. Pero su gestación y arribo no fueron fáciles, como tampoco es simple desentrañar la riqueza simbólica con la cual se las encargó; y es responsabilidad del historiador del arte poner tales condiciones en realce. Así, la sorprendente pervivencia de las estatuas, a través de dos gobiernos y dos guerras civiles sucesivas (1854-55 y 1856-57), pone en relieve su importancia cultural, dándose que la fuerte insistencia política por el proyecto estatuario se revele como una incógnita, por lo que el problema principal al que se enfrenta el presente trabajo es: ¿qué significó la inversión gubernamental en estatuas públicas para la ciudad de Lima de la década de 1850? Para dar respuesta, el estudio propuesto acá, desde la perspectiva disciplinaria y desde las herramientas metodológicas de la Historia del Arte, abarca el análisis formalista e iconográfico de tales estatuas que se idearon, crearon e importaron entre los dichos años, para finalmente ser colocadas en los distintos puntos públicos de la ciudad de Lima ya mencionados. Asimismo, el estudio demanda una exploración en los aspectos políticoculturales de la época, debido, primero, a que el ente promotor de las estatuas fue el Estado, durante dos gobiernos enfrentados, el de Rufino Echenique y el de Ramón Castilla; y segundo, a que el carácter de las esculturas fue cívico, puesto que estuvieron dirigidas, dentro de un proyecto de consolidación nacional, hacia la exaltación y formación de los valores ciudadanos. Cabe identificar, además, y de manera rápida, que las estatuas hunden sus raíces en el neoclasicismo del siglo XVIII. Los autores son Adamo Tadolini (Simón Bolívar) -1788 a 1868-, discípulo de Canova, y el más joven Salvatore Revelli (Cristóbal Colón) -1816 a 1859-, discípulo de Tenerani quien a su vez lo fue de Thorwaldsen; y para la Alameda de los Descalzos, aparece un abanico de otros artistas en su mayoría ligados a Thorwaldsen. La Serie de seis dioses griegos es anónima pero denota un claro origen neoclásico. El meollo formalista del asunto está, entonces, en el desarrollo de la escultura neoclásica italiana hacia la tendencia del Purismo de las décadas de 1840 hasta la de 1850. Y aparentemente de manera paralela, pero más bien con constantes cruces, el carácter del ideario iconográfico parte del Romanticismo, pues, como se verá, en algunos casos rastrear sus raíces será remontarse de manera directa a la Edad Media, y porque también las estatuas limeñas se establecen siempre como direccionadas hacia la conformación de una identidad nacional. La relación entre el Romanticismo y el desarrollo inmediatamente posterior al Neoclasicismo, es compleja1. Hilda Barentzen (2006) al respecto del gusto neoclásico y el Romanticismo, ha señalado: “[d]os conceptos enlazados al igual que la práctica de sus estilos. Es lugar común referirse al neoclasicismo como un movimiento romántico por las idílicas aspiraciones de cientificismo, orden y mesura que aparentemente lo caracterizaron, pero desde sus orígenes, tanto el gusto neoclásico como el romanticismo parecen fundirse en una extraña relación que Catlin y Grieder califica de paralela. De otra manera, también podemos decir que neoclasicismo y romanticismo son como una serpiente que se muerde la cola y cuyo cuerpo está compuesto por una abigarrada multitud de elementos que lentamente van definiendo su color. En la simultánea persistencia de ambos estilos se explicarían también las controvertidas posturas políticas de ambos períodos” (Barentzen 2006, pp. 77-78). Un texto más concentrado en tal problemática es Honour (1994). Sin embargo, identificadas esquemáticamente las líneas de estudio, uno se encuentra con que un poco más de ciento cincuenta años después de la colocación de las estatuas en suelo limeño, una revisión acerca de su presencia como fenómeno cultural está a la espera. Estudios detallados de sus raíces iconográficas y la justificación temporal de sus aspectos formales, brillan por su ausencia. A lo dicho, se suma la constante reubicación urbana del Colón y los cambios constantes del aspecto de los espacios públicos. Así, la exigencia de imaginar a las estatuas en su espacios primeros, tal cual eran, y teniendo en cuenta que la Alameda Nueva ya desapareció como tal (por lo que incluso las fotografías de la época son una ayuda parcial), genera más incógnitas de las que se han tratado siquiera de resolver.
Estudio histórico, formal e iconográfico del retrato de Simón Bolívar hecho por Pablo Rojas en 1825
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2015) Esquivel Ortiz, Omar Gonzalo
El presente trabajo, además de la hermenéutica, emplea el método formal e iconográfico para hallar en el Retrato de Pueblo Libre las definiciones particulares de su estética y sus significancias intrínsecas en el medio social que lo originó. Se trata de un proceso articulado de lectura y análisis, tanto de fuentes documentales como de los elementos plásticos que componen la obra. La metodología se planteó en cinco fases. En la primera se recopilaron fuentes bibliográficas, hemerográficas y documentales, para lo cual se consultaron el Archivo General de la Nación (AGN), el Archivo Arzobispal de Lima (AAL) y el Archivo Histórico de la Municipalidad de Lima (AHML). En la segunda etapa se procedió al registro técnico y fotográfico del Retrato de Pueblo Libre y otras obras artísticas relacionadas al asunto de estudio, algunas localizadas en el MNAAHP, como otras ya registradas en fuentes secundarias. Una vez reunido el material se inició la tercera etapa de análisis de las fuentes escritas y las características plásticas de las obras. Esto dio origen a la cuarta fase donde se estructuró y ordenó la investigación en cinco capítulos. Finalmente, la última etapa estuvo dedicada a la redacción del texto. El objetivo principal de esta investigación es desentrañar las implicancias simbólicas y estéticas del Retrato de Pueblo Libre, según los factores individuales y colectivos que los gestaron. Asimismo, posee como objetivos específicos analizar la relación entre el espacio de exhibición y la plástica del Retrato de Pueblo Libre, caracterizar el estilo particular de Pablo Roxas a través del Retrato de Pueblo Libre e identificar su significado simbólico.
Felipe Pinglo y la canción criolla: estudio estilístico de la obra musical del Bardo Inmortal
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2017) Sarmiento Herencia, Rodrigo Alonso; Leonardini Herane, Nanda
Revisa exhaustivamente la producción del reconocido compositor barrioaltino desde el estudio del arte, prestando atención a los elementos que constituyen su estilo a través del análisis comparativo de sus canciones y la relación con su contexto musical, político, social y personal. De esta manera, se establece un canon estilístico a partir del cual se propone el devenir, clasificación y depuración de su obra con el principal objetivo de preservar su verdadero legado.

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