Unidad de Postgrado Letras y Ciencias Humanas

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Anacoretas en la pintura virreinal peruana. El desierto y el jardín
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2021) Mariaza Foy, Jaime; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
Plantea la hipótesis de que los anacoretas y la ascesis fueron importantes como tema de representación en la pintura virreinal peruana debido al prestigio que estos religiosos tuvieron por su forma de vida, santidad, y ejemplo para la cultura virreinal en el contexto seleccionado. En consecuencia, fue muy alta la calidad y originalidad artísticas en el marco de composiciones de alto valor creativo. Los capítulos de la tesis entre otros aspectos están dedicados a los lienzos que narran la vida de San Antonio Abad. Las escenas describen sus años de juventud hasta su fallecimiento, ocurrido en el año 356, a la avanzada edad de 105 años. Las pinturas se encuentran todavía en el lugar para el que fueron hechas. Pertenecen al cambio del siglo XVII a inicios del XVIII, época rica en color, propuestas técnicas y maestría en representar los detalles del natural a la que pertenecen las pinturas de la capilla de San Antonio Abad en las que hemos puesto nuestra atención. Se aborda también las pinturas que forman la serie de santos y santas anacoretas que se guardan en la Recoleta Franciscana de la ciudad de Cusco. Así como el entorno geográfico de la iconografía de los anacoretas conocido como desierto, término usado de antiguo por casi todos los autores que se han ocupado del tema y del cual nosotros hacemos una mención acerca de las acepciones que dicho término tiene en el idioma y a su importancia representativa.
Aproximación crítica a la producción de la historia de la arquitectura colonial peruana. El período inicial: 1919-1950
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2017) Cosme Mellarez, Carlos Enrique; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
Analiza los procesos de producción de la historia de la arquitectura del período colonial, publicadas autónomamente o compiladas en libros con ese tema central, para determinar cuáles son las dinámicas de su formulación discursiva, qué características tiene la mirada de la investigación en cada momento histórico, cuáles son los criterios sustentados para garantizar su acceso a la verdad, cuáles sus fuentes y cómo son utilizadas, pero sobre todo, a qué intereses respondían sus miradas en cada momento específico. El estudio cubrirá el período inicial de su formulación, el cual comprende el lapso entre 1919 y 1950, que además corresponde al tiempo de inicio y vigencia de la arquitectura neocolonial y al gran impulso del crecimiento urbano. La investigación reflexiona acerca de la relación establecida entre el discurso de la historia de la arquitectura y las condiciones objetivas y subjetivas del momento en que dicho discurso fue producido, en el intento de identificar sus fundamentos, bases conceptuales y las respectivas metodologías de estudio. En resumen, se plantea un análisis historiográfico de los textos que abordan el tema, en la perspectiva de aportar a la reformulación contemporánea de sus planteamientos epistemológicos y metodológicos.
Dos lenguajes para una misma indagación: abstracción y figuración en la obra de Ricardo Wiesse
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2015) Agusti Pacheco-Benavides, Luis Alfredo; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
El estudio sistemático de la producción artística peruana, referida a creadores vivos, plantea el desafío de labrar un terreno casi virgen, con las desventajas y posibilidades propias de este estado de cosas. En efecto, se carece de referentes que permitan inspirarse en determinado paradigma crítico-académico, en la medida en que, con cargo a realizar una indagación exhaustiva, solo se conocen los textos incluidos en catálogos de exposiciones retrospectivas. Al respecto, se pueden destacar tres casos concretos: la muestra de José Tola en el Museo de la Nación, en 1995 (obra 1965 – 1995), texto de Juan Acha; la de Carlos Revilla en el Museo de Arte de Lima (MALI), en 1996 (obra 1955 – 1996), texto de Jorge Villacorta; y la de Ramiro Llona en el mismo MALI, en 1998 (obra 1973 – 1998), con textos de Jorge Villacorta y Donald Kuspit. Estos esfuerzos son, en primer lugar, ensayos evidentemente orientados al fin específico de acompañar a una muestra concreta, si bien de horizonte prolongado e intención antológica. No obstante, más allá de los alcances crítico-hermenéuticos que de hecho proporcionan los autores, no se trata de monografías que apunten a la demostración de una hipótesis de trabajo. En el caso de Llona, también debe mencionarse “Ramiro Llona: el terreno íntimo del tiempo” (1990), ensayo del mencionado Kuspit. En materia de miradas de conjunto, caben citarse los textos de Alfonso Castrillón, que se insertan en los catálogos de las exposiciones de la serie Tensiones generacionales, cuya curaduría ejerció. Algo más puede encontrarse en el libro Franquicias imaginarias. Las opciones estéticas en las artes plásticas en el Perú de fin de siglo, en que Max Hernández Calvo y Jorge Villacorta esbozan una visión sinóptica de la escena referida en el título. Esto, en lo concerniente al panorama local. El estudio sistemático de la producción artística peruana, referida a creadores vivos, plantea el desafío de labrar un terreno casi virgen, con las desventajas y posibilidades propias de este estado de cosas. En efecto, se carece de referentes que permitan inspirarse en determinado paradigma crítico-académico, en la medida en que, con cargo a realizar una indagación exhaustiva, solo se conocen los textos incluidos en catálogos de exposiciones retrospectivas. Al respecto, se pueden destacar tres casos concretos: la muestra de José Tola en el Museo de la Nación, en 1995 (obra 1965 – 1995), texto de Juan Acha; la de Carlos Revilla en el Museo de Arte de Lima (MALI), en 1996 (obra 1955 – 1996), texto de Jorge Villacorta; y la de Ramiro Llona en el mismo MALI, en 1998 (obra 1973 – 1998), con textos de Jorge Villacorta y Donald Kuspit. Estos esfuerzos son, en primer lugar, ensayos evidentemente orientados al fin específico de acompañar a una muestra concreta, si bien de horizonte prolongado e intención antológica. No obstante, más allá de los alcances crítico-hermenéuticos que de hecho proporcionan los autores, no se trata de monografías que apunten a la demostración de una hipótesis de trabajo. En el caso de Llona, también debe mencionarse “Ramiro Llona: el terreno íntimo del tiempo” (1990), ensayo del mencionado Kuspit. En materia de miradas de conjunto, caben citarse los textos de Alfonso Castrillón, que se insertan en los catálogos de las exposiciones de la serie Tensiones generacionales, cuya curaduría ejerció. Algo más puede encontrarse en el libro Franquicias imaginarias. Las opciones estéticas en las artes plásticas en el Perú de fin de siglo, en que Max Hernández Calvo y Jorge Villacorta esbozan una visión sinóptica de la escena referida en el título. Esto, en lo concerniente al panorama local. En el caso puntual de Ricardo Wiesse, no se cuenta con un texto como los mencionados. Si se toman en cuenta las fechas de nacimiento de los artistas señalados (Revilla, 1940; Tola, 1943; Llona, 1947), Wiesse, nacido en 1954 pertenece al grupo de pintores que, o bien comparte el intervalo generacional con los anteriores o, a lo sumo, forma parte del colectivo llamado a tomar la posta en la escena plástica nacional (a mi juicio, con Ramiro Pareja, nacido en 1952; Hernán Pazos, 1952; Carlos Enrique Polanco, 1953; y Bruno Zeppilli, 1954). Wiesse, por otro lado, no ha realizado aún la exposición retrospectiva que, habida cuenta de su trayectoria, bien podría llevarse a cabo. Lo más cercano a una retrospectiva fue la Muestra antológica de 2005 (Museo Pedro de Osma, Lima; curadora: Élida Román). Fue esta la ocasión para la presentación del libro Wiesse: pinturas y otros ensayos, donde se incluyen dos textos: “Destino de Pachacamac” y “Huacas de colores”, ambos escritos por el propio Wiesse. Evidentemente, se echó de menos en el libro un texto crítico de cierta extensión (solo se encontraba una presentación de Fernando de Szyszlo, de cuatro párrafos). Posiblemente esta actitud del artista, de asumir la tarea de escribir, no sobre su obra (lo cual resultaría improbable en el caso de una personalidad tan poco proclive a la autorreferencia), sino sobre su preocupación por la historia y paisaje costeños, entrañaba una sutil invitación a abordar esta tarea. El presente trabajo de tesis pretende responder, desde sus limitaciones y posibilidades, a esta impostergable necesidad. A partir de la muestra Pachacamac pintado (2001), Wiesse retoma el ejercicio de la pintura de caballete: la figuración paisajista. Desde entonces, alterna en su producción dicho lenguaje con el de la abstracción, que practica desde el inicio de su trayectoria profesional y merced al cual alcanzó reconocimiento crítico y cierta aceptación de mercado en el medio local. Esta investigación propone como hipótesis que la alternancia de formas expresivas, pese a su aparente contradicción, constituye variaciones en el plano de la retórica visual debidas a distintas perspectivas de percepción: aérea (abstracción lineal y matérica) y frontal (figuración). El objeto de representación permanece en ambos casos: la costa peruana en su doble vertiente de paisaje y escenario de desarrollo cultural; espacio cuya relevancia para el artista hunde sus raíces en el inicio de su propia experiencia vital, y sobre el cual pesa, en la doble dimensión anotada, la amenaza del deterioro irreversible. El objetivo es mostrar, a partir del análisis formal de un conjunto de obras abstractas y figurativas seleccionadas de la producción de Wiesse efectuada entre 1980 y 2010, la persistencia del tema que vertebra el trabajo del artista: la contemplación, documentación y defensa del paisaje costeño peruano y su patrimonio arqueológico. A partir de la búsqueda de tal propósito, se intentará alcanzar un aporte en el estudio académico de un artista peruano contemporáneo, con el fin de iniciar los esfuerzos en el contexto de virtual inexistencia de publicaciones de esta índole.
El diseño gráfico en Lima. 1960
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2017) Santa Cruz Urquieta, Octavio; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
Estudia el diseño gráfico peruano de mitad del siglo XX, con énfasis en la década de 1960 hasta 1970. Describe la labor de los diseñadores suizos que produjeron obras en el Perú en los sesenta, así como de los diseñadores peruanos cuya producción ha sido significativa. Para lo cual se entrevista a representantes destacados, que aún están en ejercicio. Recogeremos sus referencias, datos biográficos, anécdotas, obras, ejemplos, procedimientos y comentarios. Utiliza el acercamiento teórico-metodológico para establecer una secuencia artístico-formal. Identifica los vínculos de este grupo de artistas con sus antecesores, y si llegaron a influir directa o indirectamente en las generaciones siguientes. Analiza algunas obras representativas, las coincidencias, similitudes y diferencias estilísticas.
Estilo y técnica en el género del retrato de Sérvulo Gutiérrez
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2017) Hinojosa Huamán, Víctor Fernando; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
Analiza el estilo y la técnica de los retratos pintados por Sérvulo Gutiérrez. Para ello selecciona quince retratos teniendo en cuenta el transcurrir de su producción artística que va desde el retrato académicamente bien hecho hasta la descomposición total de la figura. Demuestra el paso de la coherencia en la estructura de la composición a la desintegración. Explica el cambio del color local al uso del color simbólico. Examina la luz como elemento de volumen a su independización. Analiza el manejo de fondo y figura hacia su unificación. Analiza el proceso de la identificación del personaje con el subjetivismo. Determina los cambios desde la claridad en el diseño al caos. Identifica la evolución de la pincelada meditada a la espontaneidad absoluta. Analiza el cambio de la posición áurea de la figura a su desplazamiento. Demuestra el cambio del uso del ritmo regulado a la libertad rítmica. Examina el proceso de la técnica depurada a la libre aplicación del material. Examina la creación de un lenguaje plástico original.
Estructura y color de los textiles paracas
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2020) Del Valle Cárdenas, Aldo Fernando; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
Estudia la estructura compositiva y la distribución del color en los mantos Paracas Necrópolis. He realizado diversas visitas desde el primer semestre del año 2015 a la colección Paracas del Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú de Pueblo Libre (MNAAHP); a la sala especial adaptada para el manto blanco en el Museo de Arqueología y Antropología de la UNMSM durante el año 2017; y a la sala Paracas de la colección permanente del MALI, en ese mismo periodo. La exhibición Nasca del MALI, también fue materia de mi estudio con un manto seleccionado para este trabajo (agosto-octubre 2017). De los cinco mantos evaluados, y habiendo registrado mediante fotografías todas estas colecciones, he tomado mayor interés por los mantos Paracas Necrópolis, por tratarse de composiciones visuales que muestran mucha riqueza de color y de movimiento, tanto en la estructura como en el ritmo de los elementos sobre el soporte de la tela. Los personajes antropomorfos también presentan una configuración orgánica más naturalista que el periodo Cavernas, y esto embellece el acabado final de las piezas tejidas. Investigadoras de los mantos Paracas, como Anne Paul han clasificado, grosso modo, estos tejidos como mantos “lineales”, los ligados al periodo Cavernas y mantos “bloque de color”, los utilizados en el periodo Necrópolis. La motivación del presente estudio lo tengo desde niño, los mantos Paracas siempre me llamaron la atención por su riqueza cromática; la complejidad de la distribución de los elementos repetitivos y el misterio de los personajes representados.
Estudio del estilo cinematográfico de Leonidas Zegarra Uceda en la película María y los niños pobres
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2021) Villacorta Santamato, Jorge Luis; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
El objetivo de este trabajo es enfocarse sobre una obra fílmica del cineasta peruano Leonidas Zegarra Uceda, el largometraje María y los niños pobres, para esclarecer mediante su análisis la regla del estilo aplicado a ella para proporcionarle su materialidad visual. Este trabajo se concentra exclusivamente en dilucidar esta regla del estilo y ninguna otra. El capítulo I presenta la fortuna crítica de la obra cinematográfica de Leonidas Zegarra. Describe la recepción de sus películas por parte de críticos y académicos, analiza el concepto de estilo en la Historia del Arte y expone los antecedentes académicos existentes dedicados al estudio de su obra fílmica. El capítulo II contextualiza la carrera del cineasta Leonidas Zegarra Uceda. Menciona los formatos que ha trabajado y provee datos esenciales de la película Maria y los niños pobres, analiza el concepto de estilo cinematográfico e identifica sus escenas mediante la comparación del guión con la película terminada. El capítulo III describe los principios y cánones que guían la obra de Leonidas Zegarra y cómo los aplica a la película María y los niños pobres. Se identifica cualitativamente cómo se divide cada escena en tomas y se muestran los resultados por medio de tablas. Se explica cómo los conceptos que históricamente ha manejado cierto sector de la crítica cinematográfica peruana durante los años de formación universitaria de Leonidas Zegarra, responden a una problemática artística distinta a la enfrentada por él y otros cineastas peruanos. Se considera cómo las posturas frente al arte en general, y al cinematográfico en particular, están condicionadas por la posición que cada grupo ocupa en la sociedad. Se proveen ejemplos del proceso mediante el cual la Teoría Cinematográfica adapta y adopta términos de la Historia del Arte. En el anexo 1 se incluye el guion de la película María y los niños pobres utilizado en esta investigación, para que se puedan leer las escenas y observar cómo han sido desglosadas en tomas con ayuda de las imágenes proporcionadas en este estudio, obtenidas mediante capturas de pantalla al momento de observar la película en una computadora. En el anexo 2 se incluye un DVD con la versión de María y los niños pobres estrenada en Puno en el año 2010.
La Basílica de María Auxiliadora: Los Salesianos y la arquitectura religiosa en Lima (1900-1963)
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2016) Franco Córdova, David Emmanuel; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
Aborda los antecedentes, planificación (1900-1916), construcción (1916-1924) e influencia y trascendencia para la arquitectura religiosa local (1924-1963) de la Basílica de María Auxiliadora. Se delimita a la parte arquitectónica, reservando el proceso de ornamentación en su conjunto (1921-2016) para un próximo trabajo.
La búsqueda de lo humano en la obra temprana de José Tola
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2015) Carrillo Pastor, Giuliana María; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
Analiza la obra temprana de José Tola para determinar el modo en que se inició el proceso de búsqueda de la expresión humana, constante desde sus inicios. A partir de ello, se intentará profundizar en el análisis de la producción temprana del artista para contribuir a una mejor comprensión de su obra actual; identificar las características plásticas que construyen la expresión humana tormentosa en sus pinturas iniciales; y proponer nuevas lecturas para la interpretación de la obra del artista. La metodología utilizada en el desarrollo de esta investigación ha consistido, en primer lugar, en la observación directa de las obras, aprovechando la coyuntura de diversas exposiciones realizadas en los últimos años, de las cuales destaca, por su relevancia para esta investigación, la realizada por el ICPNA en el año 2008, que consistió en una antología de su obra plástica desde sus inicios hasta la fecha. Mediante la observación de las obras ha sido posible la familiarización con las mismas y con sus características; asimismo, esto ha permitido la aplicación del análisis comparativo para lograr configurar una idea clara acerca de la evolución que han seguido a través de los años.
Los “retablos portátiles” peruanos: Las cajas de Imaginero del siglo XIX. Antecedentes y Derivaciones
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2021) Labán Salguero, Magaly Patricia; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
La presente tesis doctoral Los “retablos portátiles” peruanos: Las cajas de Imaginero del siglo XIX. Antecedentes y Derivaciones, tiene por tema central el estudio de los referentes formales, estilísticos y doctrinales de las cajas de imaginero peruanas del siglo XIX. Las cajas de imaginero son un tipo de retablo portátil creado por los artistas andinos en el epígono virreinal. Estas pequeñas cajitas de devoción ostentan una imaginería tributaria de los programas de evangelización que generalmente representan imágenes que tienen por modelos formales esculturas procesionales o antiguas estampas. Las más emblemáticas de las cajas de imaginero del sur andino son las cajas de imaginero de Chucuito y los cajones sanmarkos sanlucas. Las cajas de Chucuito representan a María Santísima en su advocación de Candelaria y su modelo formal son las cajas marianas ligadas al culto a la Virgen de Copacabana, que es también una Candelaria. La investigación surge ante la necesidad de establecer las formas de los retablos portátiles europeos y americanos que migraron a las cajas de imaginero peruanas del siglo XIX y qué tan importantes fueron las devociones americanas en la construcción de la imaginería cristiana andina. También es importante conocer la impronta de la convención tanto europea como americana virreinal para el surgimiento de las cajas de imaginero peruanas del siglo XIX. La hipótesis que guía este trabajo es comprobar que los trípticos europeos y los altares portátiles dedicados a la Virgen de Copacabana, son los referentes formales de las cajas de imaginero peruanas del siglo XIX, pero que los imagineros fueron los creadores de una obra devocional de calidad artística pensada específicamente para la piedad andina. La presente investigación tiene como objetivo principal identificar las formas e iconografía de los trípticos: bizantinos, románicos, góticos e hispano filipinos que fueron referentes para los retablos portátiles virreinales y las cajas de imaginero del siglo XIX, y demostrar que las cajas de imaginero peruanas datadas alrededor del siglo XIX, estructuralmente están basadas en una convención previa de la tradición europea, así como en la religiosidad americana ligada al culto de la Virgen de Copacabana. Como objetivos específicos se plantea realizar un análisis comparativo basado en la forma, las estructuras y la convención iconográfica de los trípticos europeos, los retablos portátiles virreinales y las cajas de imaginero del siglo XIX y sus similares americanas. Se busca establecer un método basado en el estudio crítico historiográfico comparado, y de análisis formal, respaldados por la observación del arte “popular peruano“ identificando categorías propias que respondan al contexto peruano y latinoamericano, donde la obra de arte sea la integración de forma y contenido ligada a su función sagrada.
Los Arboles de la vida y de la muerte y la escala mística en la pintura virreinal
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2010) Cabanillas Delgadillo, Virgilio Freddy; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
Durante el período virreinal de la historia peruana, el arte estuvo principalmente al servicio de la difusión de la fe cristiana. Los templos y conventos de ciudades como Lima, Cusco, Puno, Ayacucho, Arequipa, Cajamarca, Trujillo y Juli, fueron repositorios de multitud de obras en diversos géneros plásticos: escultura, pintura, platería, etc. La producción artística de ese período conforma uno de los conjuntos más ricos del patrimonio cultural del Perú. La investigación que se presenta para obtener el título de magíster en Arte Peruano y Latinoamericano versa sobre un tema específico del arte virreinal: tres cuadros de la Compañía de Jesús, obras de gran complejidad formal e iconográfica, cuyo contenido es de vital importancia para entender varios aspectos de la vida espiritual de los jesuitas de la Lima colonial. Dos de las pinturas conforman un programa, y se encuentran en la antesacristía de la iglesia de San Pedro de Lima. Se titulan Árbol de la vida y sus frutos y Árbol de la muerte y sus frutos. La otra obra estudiada puede denominarse Ascenso del alma hacia Cristo; tanto en sus aspectos formales como en su contenido, tiene una profunda relación con las primeras y se conserva en la capilla de la Penitenciaría del convento jesuita.
Tradición y recreación en el retablo ayacuchano de la familia Jiménez (1980-2000)
(Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2016) Labán Salguero, Magaly Patricia; Barriga Tello de Hopkins, Martha Irene
Estudia los aportes de la familia Jiménez al retablo ayacuchano y la tradición familiar formada por don Florentino Jiménez Toma y seguida por sus hijos, a partir del estudio de la tradición del retablo como forma artística ayacuchana. La investigación se justifica debido a la falta de estudios del retablo ayacuchano como objeto artístico en proceso de recreación, solo ha sido estudiado como objeto etnográfico o antropológico, no existen estudios sobre su variación estética, ni de su diseño. Estudia la tradición, la recreación, la variación de los temas, las formas y los diseños de los retablos narrativos ayacuchanos de la familia Jiménez del periodo 1980 - 2000. Identifica los aportes formales y temáticos de Florentino Jiménez Toma y sus hijos Claudio y Mabilón Jiménez Quispe. Analiza los referentes formales y estilísticos de las cajas de imaginero que migraron al retablo ayacuchano de la familia Jiménez con la finalidad de establecer el proceso creativo seguido en la realización de los retablos ayacuchanos narrativos y la importancia de la autoconciencia artística.

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